Sarah Kane, Crave + 4 : 48 Pysichosis. Tutto il teatro in un canto di morte e amore. La vita, la scrittura e il teatro contemporaneo in una tabula rasa.

[ - Sarah Kane, Crave + 4 : 48 Pysichosis. Tutto il teatro in un canto di morte e amore. La vita, la scrittura e il teatro contemporaneo in una tabula rasa.- ]

" Cosa sono?
la bambina dei no. 
da una camera della tortura all'altra
una terribile sequenza di errori imperdonabili 
ogni gradino della via su cui sono caduta "

" Sono così. Esisto in questo oscillare. Mai ferma, mai solo una cosa o l’altra, mi muovo costantemente da un lato al limite più estremo dell’altro. "

«Non c’è niente che non si possa rappresentare in scena: affermare di non poter raccontare qualcosa, dire che non se ne può parlare, è un atto di ignoranza terribile. Volevo essere sincera fino in fondo sull’abuso e sulla violenza. Tutta la violenza presente nel testo è stata inserita attentamente nel plot ed è stata strutturata secondo un punto di vista drammaturgico che mi ha permesso di dire quello che volevo sulla guerra. La logica conclusione dell’atteggiamento che produce un caso isolato di stupro in Inghilterra è la violenza etnica in Bosnia. E la logica conclusione di come la società si aspetta che gli uomini si comportino in guerra» 

 (Sarah Kane, Blasted)

Sarah Kane ( Brentwood, 3 febbraio 1971- Londra,  20 febbraio 1999) è stata una scrittrice e drammaturga inglese dalla breve esistenza, tormentata dalla depressione e dal pensiero costante della morte, come si evince anche dalla sua opera, dove la solitudine e la drammatica assenza d' amore ammantano il teatro di un limbo nero molto intenso, a tratti espressivamente " forte " e contrastante, violento ma nel contempo poetico, seppur in taluni casi perverso e disturbato, follemente malsano. la Kane non ha di certo goduto di una vita artistica facilissima, lottando contro gli ostracismi, le censure e il boicottaggio mediatico, in quanto autrice di cinque testi teatrali controversi, dove temi come il cannibalismo e lo stupro, la malattia mentale, la stessa piaga fisica, fanno da cornice alla parola attraverso una tetra rappresentazione scenica, e la propria crisi depressiva.

In " Febbre " la drammaturga riesce a sintetizzare con poche ma essenziali parole il senso della propria idea di arte nel' ambito della scrittura per il teatro :  " un orrore così profondo può essere frenato solo da un rito "

Il teatro di Sarah Kane è all' insegna degli eccessi scenici e nell' opera d' esordio " Dannati " oltre a far gridare allo scandalo, riesce a segnare un nuovo passo nella drammaturgia inglese, ponendosi come paladina e fautrice di una tabula rasa estrema e visionaria. In molti le devono qualcosa.

Blasted ( Dannati) lavoro del 1995, traccia un interessante parallelismo tra l' Inghilterra e la guerra in Bosnia, attraverso uno scenario 

di disturbanti visioni di stupro, cannibalismo e brutalità di genere. Ad oggi, è il più grande scandalo teatrale avvenuto a Londra dopo Saved, un opera del 1966 di Edward Bond, celebre per  una terribile e brutale scena con lapidazione di un bambino. In più di un occasione Bond ha pubblicamente difeso l' opera della Kane,  anche perché tra i due c'era profonda ammirazione, la stessa che può esserci tra un' allieva e un maestro. Gli esordi di Sarah Kane sono dunque contraddistinti dai ripetuti linciaggi mediatici, ma 

il tutto è avvenuto in concomitanza di un piccolo ma crescente culto. I postimi di Blasted hanno inciso pesantemente sulla sua precaria salute mentale, favorendo sempre di più il disagio della crisi depressiva; il Daily Mail, attraverso la penna critica di Jack Tinker, liquidò, il primo teatro dell' artista come " un disgustoso banchetto di sporcizia" La situazione è iniziata a cambiare in positivo soltanto con la quarta opera, un lavoro molto ambizioso e di taglio psicologico che porta il nome di Crave ( Febbre).  C'è da dire che Crave fu pubblicata e portata in scena con lo pseudonimo di Marie Kelvedon, una strategia voluta, necessaria per fare in modo che la critica valutasse il lavoro senza i preconcetti ereditati dai precedenti Blasted - Dannati, L' amore di Fedra e Purificati.

- Crave ( Febbre) 1998 -

Crave è una delle migliori opere di drammaturgia teatrale negli anni novanta, venuta alla luce a suggello del millenovecento, un secolo molto generoso e ricco in tutti i campi dell' arte da un punto di vista di ricerca e d' avanguardia, sopratutto per quel che concerne il mezzo artistico come strumento per sviluppare dei linguaggi di rottura attraverso delle radicalità necessarie per abbattere i confini, gli steccati umani e culturali, i muri sociali e psicologici nella società convenzionale, tradizionale e morale. 

Il lavoro si sviluppa su quattro personaggi, che hanno come nome una sola lettera, A (uomo) - Abusatore, B (uomo) - Ragazzo, C (donna) - Bambina, M (donna) - Madre, la cui profondità di legami li mette in relazione l'uno con l' altro in un disegno psicologico avvincente e  misterioso, tale da essere comprensibile solo dopo diverse chiavi di lettera. Crave è un testo teatrale molto psicologico e profondo, richiede la giusta attenzione, e compenetrazione.  

Per certi versi è una " febbre " che nel proprio divenire vuole farsi contagio nello stesso pubblico, che sia lo spettatore del teatro, intento ad ascoltare la parola e a visionare il gesto visivo del dramma, oppure il lettore, attento nella muta indagine di una scrittura emotiva ma densa di inquietante e torbida profondità sinistra.  

Una vera "suite musicale" per quattro voci, due maschili e due femminili, che nell'insieme sono il canto generazionale e apocalittico di un' anima lacerata che si fa presagio nell'annunciare, con una visionaria preveggenza, l'alienante condizione umana, sociale, culturale e artistica che tende a sfaldarsi nel nuovo millennio.

Sarah Kane è fondamentalmente una scrittrice di epitaffi culturali, dove la parola sanguina la disperazione emotiva di un disagio e uno smarrimento socio culturale crescente, che letto attraverso una lente di ingrandimento psicologica e analitica brutalmente lucida, vive in maniera incisiva ed efficace nella parola scritta e nella drammaturgia teatrale proprio nel suo volere toccare gli estremi. 

Tuttavia Crave va visto come un lavoro a se stante, completamente diverso dagli eccessivi e truculenti esordi tra cui il discusso e controverso Blasted. Realizzato con lo pseudonimo di Marie Kalveldon si tratta probabilmente del suo testo più ambizioso e colto, con possibili rimandi alle strutture fluide di Thomas S. Ellioth e alla prosa di Virginia Woolf, il tutto con la citazione esplicita del vecchio testamento ebraico, nella ripresa dei passi conclusivi dell' Apocalisse, che chiude il sipario, destando stupore, sensazione e interesse di pubblico e critica.

“Monologo di A” , estratto : " Crave " di Sarah Kane

E voglio giocare a nascondino e darti i miei vestiti e dirti che mi piacciono le tue scarpe e sedermi sugli scalini mentre fai il bagno e massaggiarti il collo e baciarti i piedi e tenerti la mano e andare a cena fuori e non farci caso se mangi dal mio piatto e incontrarti da Rudy e parlare della giornata e battere a macchina le tue lettere e portare le tue scatole e ridere della tua paranoia e darti nastri che non ascolti e guardare film bellissimi e guardare film orribili e lamentarmi della radio e fotografarti mentre dormi e svegliarmi per portarti caffè brioches e ciambella e andare da Florent e bere caffè a mezzanotte e farmi rubare tutte le sigarette e non trovare mai un fiammifero e dirti quali programmi ho visto in tv la notte prima e portarti a far vedere l’occhio e non ridere delle tue barzellette e desiderarti di mattina ma lasciarti dormire ancora un po’ e baciarti la schiena e carezzarti la pelle e dirti quanto amo i tuoi capelli i tuoi occhi le tue labbra il tuo collo i tuoi seni il tuo culo il tuo …

… e sedermi a fumare sulle scale finché il tuo vicino non torna a casa e sedermi a fumare sulle scale finché tu non torni a casa e preoccuparmi se fai tardi e meravigliarmi se torni presto e portarti girasoli e andare alla tua festa e ballare fino a diventare nero e essere mortificato quando sbaglio e felice quando mi perdoni e guardare le tue foto e desiderare di averti sempre conosciuta e sentire la tua voce nell’orecchio e sentire la tua pelle sulla mia pelle e spaventarmi quando sei arrabbiata e hai un occhio che è diventato rosso e l’altro blu e i capelli tutti a sinistra e la faccia orientale e dirti che sei splendida e abbracciarti se sei angosciata e stringerti se stai male e aver voglia di te se sento il tuo odore e darti fastidio quando ti tocco e lamentarmi quando sono con te e lamentarmi quando non sono con te e sbavare dietro ai tuoi seni e coprirti la notte e avere freddo quando prendi tutta la coperta e caldo quando non lo fai e sciogliermi quando sorridi e dissolvermi quando ridi e non capire perché credi che ti rifiuti visto che non ti rifiuto e domandarmi come hai fatto a pensare che ti avessi rifiutato e chiedermi chi sei ma accettarti chiunque tu sia e raccontarti dell’angelo dell’albero il bambino della foresta incantata che attraversò volando gli oceani per amor tuo e scrivere poesie per te e chiedermi perché non mi credi e provare un sentimento così profondo da non trovare le parole per esprimerlo e aver voglia di comperarti un gattino di cui diventerei subito geloso perché riceverebbe più attenzioni di me e tenerti a letto quando devi andare via e piangere come un bambino quando te ne vai e schiacciare gli scarafaggi e comprarti regali che non vuoi e riportarmeli via e chiederti di sposarmi e dopo che mi hai detto ancora una volta di no continuare a chiedertelo perché anche se credi che non lo voglia davvero io lo voglio veramente sin dalla prima volta che te l’ho chiesto e andare in giro per la città pensando che è vuota senza di te e volere quello che vuoi tu e pensare che mi sto perdendo ma sapere che con te sono al sicuro e raccontarti il peggio di me e cercare di darti il meglio perché è questo che meriti e rispondere alle tue domande anche quando potrei non farlo e cercare di essere onesto perché so che preferisci così e sapere che è finita ma restare ancora dieci minuti prima che tu mi cacci per sempre dalla tua vita e dimenticare chi sono e cercare di esserti vicino perché è bello imparare a conoscerti e ne vale di sicuro la pena e parlarti in un pessimo tedesco e in un ebraico ancora peggiore e far l’amore con te alle tre di mattina e non so come non so come non so come comunicarti qualcosa dell’assoluto eterno indomabile incondizionato inarrestabile irrazionale razionalissimo costante infinito amore che ho per te.

- 4 : 48 Pysichosis ( 1999)  - 

4: 48. Secondo le statistiche è il momento in cui avviene il maggior numero di suicidi e si tratta di un arco temporale dove si apre una voragine dell' anima per vivere in un tempo di sospensione fino all' epilogo, la cui estrema conseguenza consiste nel congiungersi per sempre con il silenzio, come nel caso della voce narrante di 4 : 48 Pysichosis. 

Si tratta dell' opera più radicale di Sarah Kane in quanto il suo testo è un' intenzione della realtà, è nato per essere trasposto in un fatto compiuto e definitivo. 4 : 48 Pysichosis è stato completato e rifinito postumo, almeno per quel che concerne la trasposizione come monologo da teatro, grazie ad alcune indicazioni lasciate a posteriori. L' autrice subito dopo aver terminato la stesura dell'opera, fu ricoverata in ospedale psichiatrico a causa di un' overdose di sonniferi. la Kane si impiccò una volta lasciata sola, dopo tre tormentate ore all' interno della struttura, con i lacci delle sue stesse scarpe. 4 : 48 è palesemente un testamento artistico e biologico.

" La lucidità si trova nel centro di convulsione, lì dove la folla viene consumata dall’anima spaccata in due.

Mi conosco.

Mi vedo.

La mia anima è presa in una ragnatela di ragioni
tessuta da un dottore per aumentare il numero dei sani.

Alle 4 e 48


dormirò. "

La scrittrice drammaturga britannica sceglie una forma di scrittura teatrale radicale e a soli 28 anni, nel 1999, si consegna alla morte con uno dei monologhi più intensi e drammatici che si ricordi, crudo come un pugno nello stomaco.  Si tratta di un monologo dalla durata di circa 

un'ora, dove la protagonista parla in una " stanza interiore ", che è la solitudine della propria mente, in attesa dell' ultimo atto, contrassegnato dalle ore 4 : 48, che le darà libertà eterna.

" Mi farò un overdose, mi taglierò le vene, infine m' impiccherò. Che nessuno pensi che il mio gesto sia un grido d' aiuto "

Un lavoro sicuramente più lucido e analitico di quando si possa pensare, poiché si pone come un' indagine brutale, senza alcun filtro, sul vero volto della depressione, erroneamente accostata all'apatia della tristezza, alla lamentazione vanificata dall'autocommiserazione della propria esistenza. Sarah Kane invece si offre al mondo e sceglie di violentarlo, annunciando la nuda indagine di tutti gli anfratti oscuri del disagio mentale che si sta per impadronire del nuovo millennio, sotto forma di pandemia sociale. C'è una cura, si chiama amore. Viviamo in una società priva di amore, e questo la scrittrice britannica lo ha vissuto dall'interno di un settore dove le cose sarebbero dovute essere diverse, che è il mondo del teatro contemporaneo, perché soltanto con " Crave " , portato in scena con il libretto accreditato a Marie Kalveldon, le è stato riconosciuto un merito artistico di grande pregio.

Lo scandalo si ripete, il mondo dell' arte e del teatro sono di nuovo in difficoltà  perché come era accaduto nel 1995, con Blasted si trova impreparato e sconcertato di fronte 4 : 48 

 Pysichosis.  " Per favore non tagliatemi tutta per scoprire come sono morta ve lo dico io come sono morta. Cento di Lofepramina, quarantacinque di Zoplicone, venticinque di Temazepam e venti di Mellerin "

Sarah Kane questa volta ha attaccato con ferocia inaudita tutto il settore, attraverso la massima forma di oscenità, perché di fronte al suicidio il senso del pudore è definitivamente disarmato in uno stato di assedio.  La chiave di lettura per comprendere questo " mantra " psicotico, dove la reiterazione incontra molto la musicalità in un monologo attraversato da nevrotici turpiloqui e vuoti, strutturati come dense sospensioni della parola, potrebbe essere che la memoria offesa, sofferente e umiliata dell' autrice è dopo tutto un blues post moderno. c'è anche del sentimento, un frutto ammaccato che chiede di essere amata con tenerezza e passione, e in questo aspetto Sarah Kane mostra allo spettatore di essere più normale della presunta gente normale, e meno " bestiale"  e oscura di quanto si sia potuto pensare in vita, travisando il senso delle sue prime trasversali opere.

" Nel nero e freddo stagno del mio io.
L'abisso della mia mente immateriale.
Come posso ritornare alla forma,
ora che il mio pensiero materiale se n'è andato?
Non è una vita che possa sopportare.
Mi ameranno per quello che mi distrugge.
La spada nei miei sogni
La polvere dei miei pensieri
La malattia che si riproduce nelle pieghe della mia mente."

Sarah Kane è stata una voce senza compromessi del teatro contemporaneo, impegnata nella costante lotta contro la sindrome di disturbo comportamentale depressivo bipolare, ma nel contempo intenta

alla creazione di un nuovo linguaggio creativo e sperimentale, da cui poi hanno attinto in molti, e non necessariamente nel circoscritto ambito della neo drammaturgia teatrale.

Nei cinque testi concepiti nel suo breve arco artistico produttivo è riuscita a creare delle immagini di grande forza espressiva in grado di descrivere nel dettaglio più minuzioso gli estremi di un' umanità giunta alla rovina, dove il disagio esistenziale non è una semplicistica patologia della mente, ma la " decomposizione " etica  di un paesaggio apocalittico che è costante e disumana marcescenza d' amore, dove le persone si sopraffanno esercitando senza alcuna pietà l' esercizio della violenza, in

risposta a un disagio esistenziale collettivo. Sarah Kane ha narrato tutto ciò nella sua opera-omnia, cercando di raccontare questo cruciale passaggio che ha

contraddistinto la fine del millenovecento e l' avvento del nuovo millennio. In " Tutto il teatro di Sarah Kane ", un pregevole ed esaustivo tomo edito dalla Einaudi per merito della certosina e appassionata traduzione di Barbara Nativi, e dei commenti professionali nelle note introduttive di Luca Scarlini, tutti noi abbiamo la possibilità di leggere la nostra attuale contemporaneità, perché la scrittura di  questa incompresa autrice non è affatto invecchiata, ma al contrario è ancora fresca, moderna, drammaticamente incisiva e presente, e proprio per questo continua a vivere in svariate rappresentazioni del teatro post moderno, per merito di compagnie volenterose e amorevolmente grate, consapevoli di preservare un eredità importante, offerta ai posteri con l' estremo sacrificio della vita.

" Tagliatemi la lingua
Strappatemi i capelli
Mozzatemi gli arti
Ma lasciatemi l’amore
Preferirei aver perduto le gambe
Che mi avessero strappato via i denti
Cavato gli occhi
Piuttosto che aver perduto l’amore "

S. Kane.

Ciò che in vita non fu compreso è il presente. Sarah Kane è ancora la testimone del nostro tempo.

Tutto il suo teatro ci offre delle preziose chiavi di lettura per leggere la decadenza della modernità contemporanea e agire, nel nome dell' amore. Perché tutto ciò di cui abbiamo bisogno è l' amore.

Nel 2001 il Royal Court Theatre, che aveva messo in scena tutte le prime degli spettacoli di Kane eccetto uno, ha dedicato una stagione intera alla sua opera. Grazie alle traduzioni e all'interesse di Barbara Nativi, la sua arte fu portata per la prima volta, in Italia al Festival Intercity London del 1996, a Sesto Fiorentino prima e a Firenze nel marzo 2012 in seguito.

4 : 48 ( estratto : La psicosi delle 4 : 48, Tutto il Teatro di Sarah Kane, Einaudi, traduzioni di Barbara Nativi)

Alle 4 e 48
quando la lucidità mi fa visita per un ora e dodici minuti sono in me.
Passata quell'ora sarò di nuovo andata, marionetta in pezzi, ridicola
folle.
Ora sono qui e riesco a vedermi
ma quando sono rapita da basse illusioni di felicità
l'orrendo incantesimo di questo motore di magie,
non riesco a toccare il mio vero io.

PERCHÉ MI CREDI IN QUESTI MOMENTI E NON ADESSO ?
( L'attrice urla straziata )

Ricorda la luce e credi nella luce.
Nulla importa ormai.
Smettila di giudicare dalle apparenze, dai un giudizio obbiettivo.

- Tranquilla presto starai meglio.

Il tuo scetticismo non guarisce nessuno.
Non mi guardare.

Lo sportello si apre ... luce fredda
Un tavolo due sedie e niente finestre

Ecco io sono qui e c'è il mio corpo

Balla sui vetri

In un momento disgraziato in cui non ci sono disgrazie

Non hai scelta
la scelta viene dopo

Tagliatemi la lingua
strappatemi i capelli
mozzatemi gli arti
ma lasciatemi l'amore
preferirei aver perduto le gambe
che mi avessero strappato via i denti
cavato gli occhi
piuttosto che aver perduto l'amore

Lanciare tremare colpire frustare spremere frustare colpire frustare ondeggiare tremare lanciare colpire spremere premere lanciare tremare bruciare ondeggiare tremare sfiorare tremare colpire tremare lanciare bruciare sfiorare premere spremere premere colpire tremare ondeggiare bruciare lanciare tremare bruciare

NON FINIRÀ MAI

Sfiorare tremare colpire frustate spremere frustare colpire frustare ondeggiare tremare lanciare colpire spremere premere lanciare premere lanciare tremare spremere bruciare tremare sfiorare lanciare lanciare premere sfiorare lanciare sfiorare ondeggiare bruciare tremare bruciare lanciare

NIENTE E' PER SEMPRE, NIENTE DI NIENTE

....

NON HO NESSUNA VOGLIA DI MORIRE
NESSUN SUICIDA NE HA MAI AVUTA

GUARDATEMI SCOMPAIO
GUARDATEMI

SCOMPAIO

GUARDATEMI
GUARDATEMI

GUARDATE

...

UNA ME CHE NON HAI MAI CONOSCIUTO, IL VOLTO IMPRESSO SUL ROVESCIO DELLA MENTE.

PER FAVORE, APRITE LE TENDE.

S.K, 4 : 48

Sarah Kane ( - Brentwood, 3 febbraio 1971- Londra, 20 febbraio 1999 -)

Sarah Kane ( - Brentwood, 3 febbraio 1971- Londra,  20 febbraio 1999 -)

Sto cominciando a scrivere un testo intitolato 4.48 Psycosis.

Parla di una depressione psicotica, di quello che succede, cioè, nell'animo di una persona quando le linee di confine che permettono di distinguere la realtà dalle diverse forme dell'immaginazione, si dissolvono completamente,fino al punto di non riuscire più a percepire la differenza tra la vita sognata e quella da svegli. Non si sa più dove finisce lindividuo e dove comincia il mondo. 

I margini delle cose cominciano a fondersi.

Formalmente io cerco di fare la stessa cosa, di fondere insieme orizzonti diversi sino a che forma e contenuto diventino un tutt'uno. Non so dove questo processo mi porterà.

[ Sarah Kane - estratto da una conversazione - novembre 1998. Sarah Kane si è suicidata il 20 febbraio del 1999.]

[ Sarah Kane - Brentwood, 3 febbraio 1971- Londra,  20 febbraio 1999 - 4 : 48, estratto : La psicosi delle 4 : 48, Tutto il Teatro di Sarah Kane, Einaudi, traduzioni di Barbara Nativi - ]


La lucidità si trova nel centro di convulsione, lì dove la folla viene consumata dall’anima spaccata in due.


Mi conosco.

Mi vedo.

La mia anima è presa in una ragnatela di ragioni
tessuta da un dottore per aumentare il numero dei sani.

Alle 4 e 48

dormirò.

Sono venuta da e per essere guarita.

Tu sei il mio dottore, il mio salvatore, il mio giudice onnipotente, il mio prete, il mio Dio, il chirurgo della mia anima.

Ed io sono la tua discepola verso la lucidità.

* * *

per realizzare traguardi e ambizioni

per superare gli ostacoli e raggiungere uno standard elevato

per far crescere l’autostima mettendo a frutto il mio talento

per superare le resistenze

per avere controllo e influenza sugli altri

per difendermi

per difendere il mio spazio psicologico

per affermare il mio io

per avere attenzioni

per essere guardata e ascoltata

per eccitare, stupire, affascinare, scioccare, incuriosire, divertire, intrattenere o sedurre gli altri

per essere libera dalle restrizioni della società

per fare resistenza alle coercizioni e alle costrizioni

per essere indipendente ed agire seguendo i miei desideri

per sfidare le convenzioni

per evitare il dolore

per evitare la vergogna

per cancellare le umiliazioni subite con nuove azioni

per mantenere il rispetto di me stessa

per esprimere la paura

per superare la debolezza

per essere parte di

per essere accettata

per risultare attraente ed essere felicemente corrisposta

per conversare in modo amichevole, per raccontare storie, cambiare sensazioni, idee, segretiper comunicare, conversare

per ridere e fare scherzi

per guadagnarsi l’affetto dell’Altro desiderato

per saper accettare e rimanere fedele all’Altro

per godere dei rapporti sessuali con l’Altro

per nutrire, aiutare, proteggere, coccolare, consolare, sostenere, curare o guarire

per essere nutrita, aiutata, protetta, coccolata, consolata, sostenuta, curata o guarita

per dare vita ad un piacevole, durevole, solidale reciproco rapporto con l’Altro, tuo pari

per essere perdonata

per essere amata

per essere libera

S.K 4 : 48

Francesca Woodman, la poetica nell' arte fotografica del millenovecento destinata a fare scuola con un anelito di immortalità.

FRANCESCA WOODMAN

[ Francesca Woodman, Denver, 3 aprile 1958 – New York, 19 gennaio 1981, fotografa statunitense.]

“Ho dei parametri e la mia vita a questo punto è paragonabile ai sedimenti di una vecchia tazza da caffè e vorrei piuttosto morire giovane, preservando ciò che è stato fatto, anziché cancellare confusamente tutte queste cose delicate”

Francesca Woodman è un irrequieta fotografa americana che a soli 23 anni riesce a tracciare il ricordo indelebile della sua arte attraverso una grande innovazione nell'ambito della fotografia creativa, e lo fa sperimentando molto nella tecnica, nell'estro creativo,  nell'introspezione, e infine cristallizzando la propria immagine con il gesto estremo del suicidio che la consacra in un alveo di personalità la cui decadenza romantica ha da sempre affascinato la comune cerchia degli appassionati di arte o di storie e vite vissute

all'insegna della trasversalità. Tuttavia l' artista è molto di più di una semplice personalità immolata al sacrificio nel nome dell' arte.

Spesso si tende fin troppo ad amplificare l' aspetto suggestivo e romantico della vita decadente o borderline di un' artista, un errore volontario, utile per costruire ulteriormente la leggenda, ma anche per mancanza di argomentazioni.  Visto la concreta portata innovativa del lavoro svolto dalla Woodman sarebbe interessante narrare e analizzare una suggestione decisamente diversa, più concreta, focalizzando la dovuta attenzione nell' ambito che le è stato più congeniale, il settore della fotografia.

L' arte che si è manifestata nelle sue poetiche immagini ha affascinato più di una generazione di pubblico e di artisti, e questo  perché il patrimonio che ha consegnato al mondo della cultura offre ancora oggi molto in termini di comunicazione e interpretazione. Il lavoro della fotografa americana si è contraddistinto per un simbolismo visionario e un tracciato onirico trasognante ed etereo del tutto originale, un surrealismo radicalmente femminile e nel contempo fanciullo e puro.

Nella fotografia di Francesca Woodman, artista dalla personalità ossessiva attraversata da una fragilità emotiva indubbiamente egocentrica, ogni aspetto coincide con un guizzo particolarmente geniale nel rendere l' obbiettivo uno strumento introspettivo della creatività, che è prima di tutto l' emanazione trascendente del proprio "se", come se l' autrice fosse un tutt'uno con l' arte.

" Am I in the picture? Am I getting in or out of it? I could be a ghost, an animal or a dead body, not just this girl standing on the corner…? "  F. Woodman

Il corpo diventa un' esperienza del tutto diversa e per certi versi estraniante, sopratutto se non si è predisposti per limiti e abitudini morali a permeare fino in fondo la bellezza dell' universo femminile più metafisico, quello che vive recondito nel regno onirico delle introspezioni crepuscolari e notturne, attraverso il sogno di un erotismo delicato e fragile, spurio ma liquido e amniotico, sospeso nel tempo e nello spazio come "turgida" metafora della vita e della morte.  Tutto il mondo che troviamo espresso nella fotografia della giovane artista americana è un fluido susseguirsi di giochi surreali che sondano le trame trasognanti e eteree del femminile, tra scenari e ambientazioni povere e desolate e  solitarie. L' occhio interiore dell' artista vive attraverso la creatività della fotografia in un progressivo crescendo che si delinea come  cornice del corpo "ectoplasmico " della donna,  uno  strumento evanescente e fantasmagorico che trascende nella rappresentazioni di "specchi" o " porte dell' anima " che vivono di rifrazioni, rimandi e fascinazioni tristemente poetiche ma al contempo forti di una selvaggia passionalità, la cui sensualità ludica si traduce in un' anarchia del cuore.

Forse tutto il lavoro della Woodman, visto a posteriori, rivela un crescente disagio interiore assai peculiare, anche perché poche artiste sono riuscite a dare visibilità ad un sentire femminile così intenso e profondo, e nel contempo evocativo, come se da quella " porta di accesso " si rivelasse un caos irrazionale e universale, un "esercizio" definitivo di ribellione nel corpo di una giovane donna, e questo dopo millenni di restrizioni sociali e religiose.

Il surrealismo di Francesca Woodman, nella corrente del post modernismo è degno della migliore letteratura e della migliore pittura consolidatasi a cavallo tra l' ottocento e il novecento, segmento temporale, come si sa, di ricorrenti innovazioni e avanguardie devote alla tabula rasa.

Dal suo caotico desiderio interiore l' artista ha offerto il meglio della propria  fiamma espressiva attraverso la macchina fotografica, strumento e oggetto mistico, e complemento passionale del proprio esistere nel nome di un amore idealizzato : l' arte come forma di poetica sperimentale.

[ SOME DISORDER INTERIOR GEOMETRIES - DISORDINATE GEOMETRIE INTERIORI]

Il vissuto di Francesca Woodman ci rivela tanti indizi per poter penetrare il suo lavoro. Una figlia d' arte, di madre ceramista e scultrice, e padre pittore e fotografo, senza contare gli studi e il soggiorno nella nostra Italia, un interscambio culturale avvenuto per necessità di formazione, come anche di idealizzazione e fascinazione artistica tra Firenze ( un solo anno durante l' infanzia) e Roma, 

quest'ultima nella seconda metà degli anni settanta.  Molto della sua adolescenza burrascosa e irrequieta ha avuto a che fare con i fermenti socio culturali e artistici della nostra penisola, a partire dalla capitale. Possiamo affermare che l' amore per certi scenari bucolici e di natura spuria, che sono parte della sua ricerca fotografica, siano stati introdotti nell'immaginario artistico da lei rappresentato proprio per aver assorbito molto del nostro territorio. Tra le tante avanguardie americane della seconda metà del novecento Francesca Woodman ha rappresentato un ideale ponte tra il vecchio e il nuovo continente, poiché ciò che ha saputo raccontare con la fotografia ha fatto il giro del mondo, rivoluzionando il settore.  Nell'unico libro pubblicato " Some disorder Interior Geometries " avviene una sintesi di questo apprendistato, attraverso una coralità di sensazioni ed emozioni simboliche dalla narrazione sinistra,  i cui ritratti di profonda malinconia e tristezza ci appaiono come "disordinate geometrie interiori" dove la Woodman, al centro di tutto, pare annunciare la fine incombente dell' innocenza, siglando un passaggio indelebile nel mondo delle arti contemporanee con questo epitaffio editoriale, concepito e ideato per amore di un idea di purezza fuori dall'ordinario.

„ I feel like I am floating in plasma I need a teacher or a lover I need someone to risk being involved with me. I am so vain and I am so masochistic. How can they coexist? “

F. Woodman

THE WOODMANS [ - The Woodmans, regia di Scoot Willis, genere documentario, USA, 2010 -]

Esponente del surrealismo femminile è inutile dire che Francesca Woodman sia diventata una figura celebre, ma sopratutto importante nel corso del tempo, subito dopo il suicidio, avvenuto in quel di New York, il 19 gennaio del 1981 ( gettandosi da un grattacielo, qualche ora prima di una mostra allestita in suo onore, dal padre) ma è anche doveroso asserire che sia stato sopratutto per merito di diverse esposizioni delle sua opere, che nell'insieme sono riuscite a catalizzare e alimentare un interesse crescente post mortem. 

Tutti gli artisti che hanno "realizzato" l'innovazione nel settore dell'arte pagano tale scotto. Il docufilm The Woodmans, realizzato dal regista  C. Scoot. Willis ha contribuito in parte a raccontare esattamente di questa fama postuma, indagando molto sul rapporto tra l'artista e la famiglia, e la passione per la fotografia, sopratutto per quel che concerne la gestione del patrimonio artistico.

I Woodman, scossi nell'intimo, hanno dedicato il resto della loro esistenza quotidiana lavorando tenacemente per la valorizzazione del lascito della figlia, in maniera rispettosa, ordinata e parsimoniosa. I coniugi hanno avuto l' amorevole premura e il merito di saper esaltare un archivio fotografico di grande prestigio, di cui  800 fotografie restano ancora oggi inedite al pubblico.

Nel film, C.Scoot Willis segue la narrazione di una storia d' amore travagliata, e riguarda il rapporto tra Geroge Woodman, un pittore astratto con la passione della fotografia, che con la moglie ceramista Betty vive in simbiosi  l' arte in stretta correlazione dei rispettivi figli Charles e Francesca.  A questa cronistoria familiare si aggiungono le voci e i contributi di una serie di amici, compagni di studio e colleghi di settore, il tutto a partire dall' infanzia per giungere fino al tragico epilogo del suicidio, avvenuto a soli 23 anni, analizzando il post mortem dell'artista.

In The Woodmans però si parla molto dell' arte, perché nel ricostruire la storia il regista riesce a dare luce a tutti gli aspetti interessanti, tra cui il " perché " della stessa fotografia, che è il vero perno della vicenda artistica e umana di Francesca.  E' molto interessante comprendere come sia avvenuta la folgorazione per lo scatto in relazione allo stretto legame con il corpo, che di fatto è l' elemento centrale dell' opera della fotografa surrealista più influente di sempre.

L' opera è stata premiata al Tribecca film festival del 2010, successivamente è stato presentata al festival internazionale del film, riscuotendo un buon successo, in quanto ha avuto il merito di raccontare la vita e l' arte della Woodman in maniera semplice, con passione ma anche con la giusta distaccata emotività, in sintesi senza scivolare nell'errore del cattivo gusto, il tutto alternando a delle piacevoli interviste, un filo conduttore che porta direttamente a scoprire il lavoro di George e Betty in nome della figlia, attraverso le magnifiche fotografie.

In conclusione ... 

... La mente visionaria di Francesca Woodman ci ha raccontato di orizzonti e di introspezioni a noi ignote attraverso delle immagini di una bellezza abbacinante e di fragilissima emotività, un diario aperto il cui spessore artistico ha favorito una nuova fotografia, consapevolmente femminile, frutto di una vita trasversale e affascinante e di indubbia poetica anticonformista. La sua breve esistenza ha dunque sfiorato il sacro disegno dell' Utopia perché si è contraddistinta nel tenace conseguimento di un sogno. La Woodman ha percorso con ostinazione la strada di un tracciato tipicamente radicale e bohemian.  ( Patrizio De Santis)

Francesca Woodman (1958–1981) e le sue "disordinate geometrie interiori"

Francesca Woodman (1958–1981) e le sue "disordinate geometrie interiori"

“Ho dei parametri e la mia vita a questo punto è paragonabile ai sedimenti di una vecchia tazza da caffè e vorrei piuttosto morire giovane, preservando ciò che è stato fatto, anziché cancellare confusamente tutte queste cose delicate”.

„ I feel like I am floating in plasma I need a teacher or a lover I need someone to risk being involved with me. I am so vain and I am so masochistic. How can they coexist? “

" Am I in the picture? Am I getting in or out of it? I could be a ghost, an animal or a dead body, not just this girl standing on the corner…? "

F. Woodman.

Il " canto delle sirene " di un artista che ha fatto delle proprie disordinate geometrie interiori un opera d' Arte. Una passionale ricerca della bellezza dove la solitudine è riuscita ad attraversare il corpo femminile e i corrispettivi ambienti desolati, esaltando una natura impervia e spuria, il tutto come se fosse parte di un eterno orgasmo

cosmico. Un fluido mondo femminile  fanciullo idealizzato in una crescente  progressioni di immagini, che nell' insieme sono la poetica della Musa interiore di Francesca Woodman. Un maniacale lavoro proteso verso l' esaltazione di una purezza immortale, dove la foto si è fatta strumento d' amore per giungere fin qui, nel nostro attuale presente, come se fosse stata l' Epitaffio definitivo per essere il Testamento del nostro Tempo più metafisico. 

( Patrizio De Santis)

[ Francesca Woodman, Denver, 3 aprile 1958 – New York, 19 gennaio 1981, fotografa statunitense.]

Mino Di Martino e Terra Di Benedetto, un lungo viaggio nel mondo della ricerca e dell' evoluzione interiore : Angeli di Solitudine.

ALBERGO INTERGALATTICO SPAZIALE E TELAIO MAGNETICO

Il Millenovecento in Musica è stato un secolo straordinario e gli stili musicali si sono spesso rincorsi e fusi in un unico grande linguaggio globale, come nel caso della musica elettronica, nata nei conservatori e negli istituti di fonologia per poi confluire in tutta la grande musica popolare, anche in un ambito discografico industriale, contaminandosi con tutti gli stili che noi conosciamo e abbiamo da tempo storicizzato.  La Germania in questo fu terra di grandi visionari, basterebbe citare i "Corrieri Cosmici " o Kraut Rockers, nati e proliferati grazie al genio indiscusso del maestro Karlheinz Stockhausen, la cui sementa va ricercata nel dissacrante lavoro di 

"taglia e cuci" applicato sul nastro magnetico di Hymn, l'inno tedesco destrutturato e ricomposto ex novo in veste di composizione sperimentale e d' avanguardia. Nel corso degli anni vennero poi alla luce molte altre ricerche, favorite dalle nuove tastiere analogiche fra cui EMS e VCS2 e 3 che a differenza dalla creatura di Robert Moog, il sintetizzatore Moog, erano molto più avanti, per non parlare del Sinth Arp2600 .

Con l' avanzare delle nuove tecnologie applicate alle tecniche di registrazione e sopratutto con la possibilità di un ottimale resa live della musica elettronica vennero alla ribalta nuovi gruppi musicali dediti alla ricerca in ambito extra colto, ma in un contesto giovanile e rock, tra cui i Tangerine Dream, i Cluster, i Neu !, gli Harmonia, e molti altri. Tutto questo mentre negli Stati Uniti d' America personaggi come La Mont Young e Terry Riley ridefinirono questo flusso di suoni nella corrente della Minimal Music, profumata dell' esotismo di un epoca creativa formidabile, e meravigliosa.

La stessa Italia si mosse su questa nuova linea, anche per via di un buon DNA , visto le fondamentali ricerche di Luciano Berio, Luigi Nono, Franco Evangelisti e La Nuova Consonanza e Alvin Curran, In ambito " Progressive Rock " fra mille virgolette, ci fu il genio indiscusso di Franco Battiato che successivamente aprì le porte ad alcuni musicisti a lui legati, non ultimo amici cari : Juri Camisasca, Claudio Rocchi, Roberto Cacciapaglia, Lino Capra Vaccina, Roberto Mazza, e sopratutto il duo di Terra di Benedetto e Mino di Martino, l'Albergo Intergalattico Spaziale.

Mino di Martino era stato uno dei membri fondatori dei Giganti, il celebre quartetto di brani pop quali Tema e Una Ragazza in Due e lo slogan Mettete dei Fiori nei vostri Cannoni, ma stanco di tutto questo, traghettò i Giganti verso un suicidio commerciale denominato Terra in Bocca : Poesia di un Delitto, un album anti Mafia e omertà, con la storica copertina trasgressiva di Gianni Sassi, già in stile pre Cramps, e quindi dalle ceneri di questo lp il musicista non poteva null'altro che rinascere attraverso una nuova avventura musicale, L' Albergo Intergalattico Spaziale.

Questa formazione condivisa con la moglie Terra, nata intorno al biennio 1973-1974 la si ricorda principalmente dedita alla ricerca e alla performance estemporanea live, sopratutto in ambito del teatro, e nello studio dei nuovi linguaggi sonori per la composizione e per le improvvisazioni elettronico sperimentali. Non è un caso che inizialmente dietro questa sigla si nasconda un locale Underground per ricercare e sperimentare, ma sopratutto rompere con gli schemi, e sia gestito dalla coppia.

La vera natura dell' Albergo in origine ha poco a che fare con l'idea della musica, sopratutto se analizzata in funzione dell' oggetto disco come viatico per suonare nel circuito alternativo del proletariato giovanile. L' aspetto di progetto musicale si va a concretizzare in un secondo tempo, in una forma completamente autogestita e slegata dalle distribuzioni delle multinazionali del disco, come anche degli stessi ingranaggi alternativi della sinistra extra parlamentare, almeno quella culturalmente asservita al partito.

Mino e Terra sono menti visionarie, completamente anarchiche e di conseguenza rappresentano oggi,

come allora, un percorso di pura catarsi artistica e musicale, dove conta l' introspezione e l' idea spirituale del viaggio interiore, perciò l' esperienza sonora che scelgono di imprimere sul supporto fonografico rappresenta in toto la loro idea di vita, più prossima alle istanze ecologiste che socialiste, come ci suggerisce ancora oggi la copertina apocalittica dell' album di esordio, che in molti ancora oggi chiamano addirittura  " Ne m' approchez pas, Je suis Radioactif !" al posto di Albergo Intergalattico Spaziale.

Riepilogando, l'Albergo Intergalattico Spaziale è stato quindi essenzialmente un progetto di ricerca senza il fine dell' incisione discografica ma sono proprio le nuove evoluzioni della musica e le infinite possibilità dell'elettronica in un ambito più caldo, se vogliamo umano, ossia l'elettroacustica, unito alle magistrale propensioni vocale di Terra, a condurre il loro percorso verso il mondo della discografia.

Di conseguenza Mino e Terra si sono mossi come tanti altri progenitori del genere, e come è avvenuto per i "corrieri cosmici" in Germania, oppure i minimalisti negli U.S.A, visto con gli occhi del presente, possiamo affermare che il sentire dei tempi germinava nell'etere per creare il miracolo del suono. Basterebbe prestare un attento ascolto della loro opera, il cui fascino iconoclasta, annunciato fin dalla copertina, si pone come forma artistica di avanguardia, forse addirittura più radicale di tanti altri progetti blasonati nel panorama internazionale, e non è un caso che Mino e Terra siano così strettamente legati al mondo di Franco Battiato, allora impegnato in una serie di progetti di nuova musica, più o meno da Clic, del 1974, alla " misterica " indagine esoterica e colta dell' opera " L' Egitto prima dell sabbie "

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Una sola incisione omonima, storica anche per la copertina e la possibilità di giocarsela alla pari dei blasonati capolavori tedeschi, poi alcuni cd recenti,  Angeli di Solitudine del 2009 con materiale risalente ai primi anni settanta, e nel 2011 l'album di ricerca con materiali realizzato nel corso degli anni ottanta, Cammino sotto il mare ( Idee per canzoni), infine una raccolta di materiale eterogeneo " Alchimia del verbo ", del 2004;  queste pubblicazioni sono un compendio significativo, dopo di che resta la ricca e circoscritta esperienza del Telaio Magnetico, un tour con Franco Battiato, Juri Camisasca, Roberto Mazza e Lino Capra Vaccina, Vincenzo Zitello, più il ricordo dei primi passi attraverso i solchi del magnifico lp di Claudio Rocchio, Essenza, del 1973.

Essenza è ancora oggi una chimera discografica di cui non si conosce ristampa sia nel formato cd che lp, ma si tratta di un resoconto mistico di una consapevolezza musicale senza precedenti, difatti Claudio Rocchi lo realizza dopo un lungo viaggio in India coinvolgendo al suo ritorno diversi amici incontrati casualmente, invitandoli negli studi dell' Ariston.  Mino e Terra portano il contributo della ricerca sonora elettroacustica, accanto a quelli di altri validi musicisti, tra cui Elio D' Anna alle ance e ai flauti, ai tempi con gli Osanna.

L' esperienza del Telaio Magnetico invece è stata documentata con dei mezzi di fortuna, e non era assolutamente previsto che gli interessati aderissero all' idea di uno sviluppo su disco perché quel flusso di suoni erano un modo per trovare nuovi stati di consapevolezza attraverso la ricerca musicale, in un tour itinerante. Una carovana di " dervisci elettrici " nata per caso, ma che fece scalpore a tal punto da giungere fino a noi. Il Telaio resta essenzialmente un progetto di musica estemporanea avvenuto nel 1975, di cui possiamo ascoltare una parte di quel che veniva eseguito

dal vivo, grazie alla piccola label " Musicando" che rende pubblico un nastro nella prima metà degli anni novanta. Il disco Telaio Magnetico lo abbiamo conosciuto postumo negli anni novanta, ma per nostra fortuna esiste una recente edizione in vinile addirittura con materiale extra, di conseguenza più ricca, anche perché il precedente disco era finito nel limbo proibito del collezionismo.

Il resto di questa storia va ricercato nelle tante collaborazioni con Franco Battiato, Alice, Francesco Messina e Giusto Pio, negli anni ottanta, nei primi novanta. Mino Di Martino è attualmente un paroliere e anche un bravo poeta. Terra continua a viaggiare e a studiare teatro sperimentale, musica, canto e nuove forme sonore. Purtroppo di questa Family è venuto a mancare Claudio Rocchi, che è tuttavia spiritualmente tra noi, non ultimo musicalmente presente nella memoria collettiva. Rocchi fu il fautore del nostro Underground, ma anche un fedele compagno di avventure sonore di questo magnifico duo, ideato da Terra e Mino!

Note personali e ringraziamenti :

Questo servizio è stato possibile grazie a Terra Di Benedetto che ha fatto da tramite con il bravissimo fotografo Giovanni Coccia, da cui ho attinto per gli scatti in bianco e nero, risalenti al 1974 circa, che documentano un esibizione di Claudio Rocchi con il primo Albergo Intergalattico Spaziale.

Sono cresciuto con tutto ciò che ruotava nella sfera di Franco Battiato, Claudio Rocchi e Juri Camisasca, dai primi anni settanta fino ai giorni nostri. Mino e Terra sono da sempre parte di questa factory che nel corso del tempo ha incontrato Giusto Pio, Francesco Messina, Alice e molti altri personaggi, non li nomino tutti, ma sono sempre presenti.  Per me è stato molto stimolante lavorare su di un vecchio servizio realizzato per Area Prog, pagina Facebook che da San Paolo del Brasile diffonde molta musica italiana progressive, e non, visto che in questo caso abbiamo parlato di musica di avanguardia e di elettronica.

Qui ho cercato di ampliare, perché My Ideal Blog mi consente di farlo, diciamo, sperimentando, visto che sono autodidatta in tutto. E' strano, anni fa non avrei mai pensato di avere una corrispondenza privata con gli artisti che seguivo, da ascoltatore, oppure onnivoro lettore, spettatore, ma negli ultimi anni la tecnologia mi ha permesso di farlo, e qualche volta è bello farsi raccontare una parte di quella meravigliosa stagione creativa, dove la musica non aveva alcun confine, e sopratutto schema.

Vi lascio con una breve appendice riguardante l' opera  Terra in bocca - poesia di un delitto, un concept album sullo scottante tema omertoso " stato - mafia " del complesso I Giganti, dove Mino De Martino ha mosso i primi passi. Giusto un servizio extra, forse forzato, visto che andiamo a ritroso, nel 1971.

In questa coda ho voluto analizzare più che altro l' aspetto provocatorio e radicale della copertina realizzata da Gianni Sassi per l'opera in questione, a mio avviso non distante dallo " shock " visuale del primo album ufficiale dell' Albergo Intergalattico Spaziale, la cui cover è riconosciuta anche come " Ne m' approchez pas, Je suis Radioactif !"

TERRA IN BOCCA : POESIA DI UN DELITTO

La felice collaborazione dei Giganti con il genio indiscusso Gianni Sassi si manifesta attraverso un progetto circoscritto nella carriera di Mino Di Martino, legato al mondo del progressive, e soprattutto con il discusso Artwork di grande caratura artistica, anche nella sua cruda e provocatoria brutalità.

Si è trattato di una toccata e fuga che ha coinvolto un po tutti gli interessati, dai Giganti, allo stesso Gianni Sassi. Lo stile di Sassi è lo stesso dell' Alsa di Milano e delle tante rivoluzioni in ambito grafico pubblicitario condivise con il socio e sodale Albergoni ma anticipa anche il mondo della Cramps e degli Area, più le tante collane Ascolto, Diverso e Nova Musica con Gian Emilio Simonetti, cosi come la quasi coeva operazione Battiato Pollution e le piastrelle ecologiche omonime che tanto fecero gridare allo scandalo in quanto si seppe soltanto in seguito, realizzate con materiale inquinante. In questo caso a scuotere l' Italia provinciale di allora, impreparata, è l' aggressività visiva del poster allegato al vinile, così come la concettualità grafica della magnifica busta apribile del disco in vinile.

I Giganti con un Mino Di Marino desideroso di ricerca, sono in procinto di cambiare pelle, stanchi della musica beat ma anche delle censure della Rai, e intraprendono una svolta nell' impegno musicale, a compimento di una politicizzazione già esistente nei singoli di successo, vedere Tema oppure Io e il presidente. Terra in bocca - poesia di un delitto è di fatto un suicidio annunciato e urlato fin dalla copertina, molto aggressiva, ma sopratutto attraverso il manifesto allegato e i testi

delle canzoni, strutturate come una suite suddivisa nei due lati dell'originario lp, dove si andavano a sviscerare i legami tra lo stato e la mafia. I Giganti in verità sono i curatori della parte vocale, per strutturare il nuovo ambizioso progetto si fanno aiutare da turnisti di lusso e prestigio, quali Ares Tavolazzi, non ancora Area, al basso, Marcello Della Casa dei Latte e Miele, e il maestro Vince Tempera alle tastiere e agli arrangiamenti, futuro Il Volo e Saint Just.

In verità il disco non è affatto così complesso, per certi versi è vicino anche al Fabrizio De André di Spoon River o di Storia di un Impiegato, con un orecchio ai Beatles e ai Moody Blues. Sicuramente le doti corali dei Giganti lo rendono ancora oggi un prodotto di indubbio fascino.  Da riscoprire e amare, per il coraggio del tema trattato in un lontano 1971 omertoso !